Para Natalia Ortega (Cuenca, 1984) los objetos tienen alma, cuentan historias y van más allá de la funcionalidad y la estética. Pero eso solo ocurre cuando se conciben siguiendo los preceptos de la artesanía: a mano, sin prisa, con propósito y un profundo respeto por los recursos naturales. En un intento por rescatar y actualizar esta manera de hacer las cosas, la diseñadora industrial fundó Worn Studio, una firma que trabaja con talleres de pequeños pueblos de Castilla-La Mancha y otras partes de España, e incluso de países de Europa y África, para idear piezas únicas o de series limitadas utilizando arcilla, madera, piedra, cuero, hierro, bordados o vidrio soplado, entre otros materiales. “Este proyecto nació de la necesidad de unir artesanía, arte y diseño. Quiero poner en valor los oficios ancestrales y reinterpretar sus técnicas desde una mirada actual, poética y experimental. Aquí lo realizado a mano no es sinónimo de pasado, sino de lujo, cultura e identidad”, explica esta manchega que ya ha conquistado a Loewe.
© Clara Lozano"Hechos con orgullo en la tierra de Almodóvar", como reza la web de la marca, todas sus creaciones son fruto de un diálogo honesto entre Natalia y los artesanos con los que colabora y están dotadas de una atemporalidad y, lo más importante, de una emocionalidad que sobrevive al paso del tiempo y las modas. “El orgullo viene de pertenecer a un territorio -históricamente invisibilizado, como muchas zonas rurales- donde la tradición y la creatividad conviven orgánicamente, donde hay oficio y memoria. Por eso me gusta reivindicar el talento local y mostrar que desde lo rural también se puede engendrar contemporaneidad”. Sus procesos son lentos y colaborativos: primero, imagina la pieza y, luego, la desarrolla y adapta junto al profesional idóneo para la ocasión, cuya labor siempre reconoce. "No son solo ejecutores, sino cocreadores con un profundo conocimiento, intuición y sensibilidad. Dejarlos sin nombrar sería borrar parte de la esencia de la obra".
© Clara Lozano¿Cómo supiste que querías ser diseñadora?
Me di cuenta cuando empecé a ver que los objetos podían transmitir un significado, no solo funcionalidad o belleza, sino también identidad, memoria y emoción. Al crecer rodeada de artesanía y arte, siempre me atrajeron los materiales y cómo las manos podían transformarlos. Pero no fue hasta que comprendí que el diseño podía ser un lenguaje que conecta la tradición con la vida actual, que todo encajó. Entonces, esta profesión se convirtió en una forma de honrar el pasado y, al mismo tiempo, moldear el futuro.
¿Recuerdas tu primera pieza?
Diría que fue una cerámica concebida durante un taller iniciático donde experimentamos con formas y texturas inspiradas en la naturaleza. Era imperfecta, asimétrica y cruda, pero se sentía honesta. Captaba la tensión entre el control y la espontaneidad, que todavía hoy define gran parte de mi trabajo.
¿De dónde nacen tus creaciones? ¿Parten de un concepto, del material o de una necesidad?
De un proceso híbrido, pero generalmente de una idea que busca materializarse, aunque a menudo luego es el material el que dicta el camino a seguir en los talleres de los artesanos.
¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración para dichas ideas?
Echo la vista atrás para mirar hacia delante. Piezas antiguas que dejaron de producirse y que observo, entiendo su uso, lo rescato y convierto. Un ejemplo es la caracolera de fibras vegetales, que -como su nombre indica- se utilizaba para recoger caracoles. Me parece alucinante conocer estas prácticas y darles un nuevo lenguaje.
© Clara Lozano.¿Cómo descubres a los artesanos con los que colaboras?
Principalmente viajando, escuchando y siendo muy curiosa. Suelo visitar zonas rurales, pueblos y talleres ocultos, especialmente en Castilla-La Mancha, donde las tradiciones manuales siguen vivas, pero a menudo pasan desapercibidas. Muchos de estos artesanos no tienen página web, no asisten a ferias y no están en redes sociales. Simplemente, crean en silencio, con destreza. Conocerles depende del boca a boca, de contactos o incluso de la casualidad. Así que cada descubrimiento es un regalo. Una vez que te sientas en su taller, escuchas su historia y ves cómo trabajan, nunca vuelves a ver los objetos con los mismos ojos.
¿Cuándo decides respetar sus técnicas y cuándo reinterpretarlas?
Para mí lo realmente valioso es entenderlas y eso solo puedo lograrlo visitando sus talleres durante varios días y viendo cómo se desenvuelven en su hábitat, manipulan los materiales y consiguen sus acabados. Es así cómo reinterpreto el diseño: con y junto a ellos.
¿Qué es lo que has aprendido de trabajar con estas comunidades locales?
Ha sido la mayor experiencia de aprendizaje como profesional. Me enseñan no solo su forma actual de trabajar, sino también cómo lo hacían hace años, por lo que es una manera de mantener su legado y promover nuestra cultura.
© Clara Lozano.¿Qué sentimientos te gustaría despertar con tus obras?
Fascinación por el nivel técnico alcanzado, el cual solo es posible a través de los maestros artesanos, sorpresa por un diseño contemporáneo muy cuidado y distinción por los materiales nobles empleados y la perdurabilidad de los objetos.
¿Cómo surgió la oportunidad de colaborar con Loewe?
Por nuestro interés compartido por la artesanía, la cultura material y el diseño contemporáneo. Buscaban artesanos cuyo trabajo celebrara las técnicas tradicionales con una sensibilidad moderna, y nuestros caminos se cruzaron de manera natural a través de exposiciones y redes de comisariado centradas en este ámbito. Trabajar con Loewe me brinda visibilidad, diálogo y un desafío creativo. Es una oportunidad para conectar con un público global sin perder la esencia de los procesos manuales y, sobre todo, de confirmar que la artesanía no es secundaria al diseño, sino primordial para él.
Vinculada como estás a marcas de lujo, ¿crees que ha cambiado el significado de este término?
Totalmente. Ya no se trata solo de precio, exclusividad o estatus, sino de intención y experiencia. Ahora significa tiempo, hecho con mimo y lentitud, atención al detalle, autenticidad, conexión con el lugar, el material y el creador, valor emocional, sostenibilidad... Las piezas cuentan una historia, y el lujo ha evolucionado de poseer a sentir. El verdadero lujo, actualmente, se encuentra en lo excepcional porque es humano, considerado y duradero.
© Clara Lozano.En tu opinión, ¿cuál es el principal reto al que se enfrenta el diseño?
Vivimos en un mundo impulsado por la gratificación inmediata, la producción en masa y lo desechable. En cambio, el diseño artesanal y la elaboración pausada requieren de tiempo, cuidado y conocimiento, valores que corren el riesgo de pasarse por alto en un sistema acelerado. El reto no es solo técnico o económico, sino cultural. Tenemos que encontrar cómo crear de forma responsable sin dejar de ser relevantes e innovadores. La artesanía no se trata de nostalgia, sino de apostar por un futuro con raíces, donde la tradición y el progreso puedan coexistir, y sea posible el equilibrio entre velocidad y significado.
Para terminar, háblanos de los nuevos proyectos en los que estás inmersa
Actualmente, estoy con varias propuestas de Tablescape. Hemos creado un concepto diferente de cubiertos de mesa a partir de acero damasquinado, plata, fibras o cuero. También estoy terminando mi nueva colección Humanize, que presentaré este año y consiste en varios artículos de mobiliario.
